Giovanni Bellini
Biografía:
Nace en Venecia, Italia, h. 1430 y muere en 1516. Pintor
italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó
especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso
pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la
figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.
También llamado Giambellino, nació en el seno de una familia
de pintores; su padre, Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da
Fabriano, desempeñó un importante papel como introductor de la estética
renacentista en Venecia. Su hermano Gentile fue un importante retratista que
colaboró con él en la decoración del palacio ducal e incluso viajó a
Constantinopla a retratar a su sultán.
Análisis de la Obra:
La Pietà
Trató el tema de la Pietà, representación artística de
Cristo muerto sostenido por la Virgen. Lo hizo en un estilo distinto y algo más
personal, con menos dureza en los contornos y un tratamiento más amplio de las
formas y los vestidos, pero sin atenuar la intensidad del sentimiento
religioso. También esta iconografía se inspiraba en modelos bizantinos: la
imago pietatis. Los prototipos de la serie son la Piedad de la Accademia
Carrara de Bérgamo y la del Museo Poldi Pezzoli, que datan entre los años
cincuenta y sesenta; las siguieron el Cristo muerto sujetado por dos ángeles
del Museo Correr, con influencias de Mategna, la célebre Piedad de la
Pinacoteca de Brera (h. 1465-1470) y la de Rímini (h. 1474).
Bibliografía:
Giorgone
Biografía:
Nació en 1479 y murió en 1510 por la peste. Su Análisis de
la Obra: ha sido discutida, arrebatada cuadro a cuadro a la autoría de Tiziano,
a quien se consideró autor de muchos lienzos que más tarde se descubrieron
realizados por Giorgione. La mayor innovación de Giorgione estriba en que fue
uno de los primeros pintores de su época en dedicar su producción al
coleccionista particular, en vez de a grandes instituciones o mecenas. Así,
casi toda su Análisis de la Obra: es de formato mediano y no quedan intactos
grandes paneles o frescos. Además, el significado de su Análisis de la Obra: se
nos escapa en la mayoría de los casos, estando probablemente relacionado al
conocimiento cabalístico y religioso.
Análisis de la Obra:
La tempestad
Ha sido llamado el
primer paisaje de la Historia del Arte occidental. El significado de la escena
no es claro, pero su maestría es evidente. Representa a un soldado y a una
mujer desnuda dando el pecho a un niño, separados por un arroyo. Al fondo se ve
una ciudad y en el cielo la tormenta que su título indica. La multitud de
símbolos que tiene el lienzo ofrece muchas interpretaciones pero ninguna lo
suficientemente satisfactoria. Las teorías que apuestan por la dualidad (hombre
- mujer, ciudad-campo) han ido decreciendo al comprobar en un estudio
radiográfico, que el hombre era originariamente una mujer desnuda sentada.8 El
tema parece un mero pretexto para la realización de un ejercicio de imaginación
creadora; este cuadro, de colores fríos y saturados, ejerció una gran
influencia en la pintura posterior.
Bibliografía:
Tiziano Vecellio
Biografía
Pintor destacado perteneciente a la Escuela Veneciana del siglo
XVI, Tiziano recoge en sus inicios el testigo dejado por Giorgione para
evolucionar en los presupuestos por él introducidos relativos a luz, color y
percepción, tan distintos ya de los empleados por los anteriores maestros venecianos
de la época del quattrocento (las líneas son más imprecisas, predomina el color,
los contornos se difuminan), llegando en su vejez a crear composiciones que
asombrosamente prefiguran formalmente el posterior impresionismo.
Tiziano es un pintor de la alegría, la sensualidad y la
elegancia, como se puede apreciar en sus conocidas composiciones de carácter
mitológico, además de un avezado observador de la realidad y del carácter
humano, tal y como atestiguan los múltiples retratos que realizó.
Venus
de Urbino
Al entrar en contacto, con Sebastián Serlio, con la corte de
Urbino y su familia con los cuales ejecutará diversas obras, entre las que se
encuentra la famosísima Venus de Urbino realizada en el año 1538.
Se ha considerado como una alegoría nupcial en clave
neoplatónica, un retrato de la esposa de Guidobaldo que acababa de abandonar la
pubertad o sencillamente el retrato de una conocida cortesana de la ciudad. Es
la primera ocasión en que Tiziano pinta una figura de Venus, mostrándola en un
interior, situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto con una sábana
blanca. Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de
carne y hueso, olvidando imágenes que muestran el ideal de belleza. Al fondo
apreciamos la estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un
árbol. Tiziano dirige un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus,
otorgando así mayor veracidad al conjunto. La claridad de la carnación y las
telas blancas sirven de contraste con la pared sobre la que se recorta la mitad
superior de la joven y con la tela del diván.
Bibliografía:
Correggio
Biografía
Es el representante
principal de la denominada Escuela de Parma. Poco es lo que se conoce acerca de
las circunstancias personales de Antonio Allegri, al igual que sucede con su
etapa de formación, respecto de la cual existen diversas hipótesis. Oriundo de la localidad de Correggio de donde se origina su sobrenombre a finales del s.XV La obra más antigua documentada de Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de los franciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla es conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modelo iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de un esquema piramidal completamente clásico. Sin embargo, ya se puede apreciar en la misma el uso de la luz destinado a la consecución de una atmósfera envolvente y al destaque de determinados puntos de la escena, tan propio de la producción posterior del maestro.
Será sin embargo un poco después a partir del año 1520, cuando acometa la realización de una de sus principales obras: la decoración de la cúpula de la Iglesia de San Juan Bautista, en Parma.
La
Asunción de la Virgen
Se trata de un fresco ejecutado sobre la
cúpula de la catedral de Parma, Italia, la cual tiene unas
dimensiones de aproximadamente 11 metros de diámetro. Data
de los años 1526-1530.El fresco representa el momento de la asunción de la virgen. En los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas, están representados los santos patronos de la ciudad: San Juan Bautista con el cordero, san Hilario con un mantón amarillo, santo Tomás junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba.
La composición no gira en torno a un eje central, como en el clasicismo, sino que está descentrada, «desestructurada», al modo que sería habitual en el barroco.
A los pies de Jesucristo, la Virgen vestida de rojo y azul es alzada al cielo por un grupo de ángeles. Alrededor de la base del anillo, entre las ventanas, está el corro de los apóstoles sorprendidos como si rodearan la tumba vacía de María. Alrededor de la Virgen gira un torbellino de ángeles y otros personajes en movimiento, en varios círculos concéntricos y sentido ascensional. Entre ellos se reconoce a Adán y Eva, Judit con la cabeza de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. En el centro de la composición está Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su madre.
Bibliografía:
http://www.artehistoria.com/personajes/1638.htm
